Cuando hablamos del Arte, (curioso y ambiguo sustantivo, ya que es masculino en singular y femenino en plural) casi automáticamente se nos viene a la mente representaciones, imágenes, sonidos… sin embargo, el arte no está separado de las vivencias personales de cada persona. Es mas sin esas vivencias personales de cada uno, el arte no existiría pues son necesarias, para despertar los sentimientos y sensaciones, que están en la base del mismo.
El arte es consubstancial al ser humano, ya que siempre en todas las sociedades y culturas se ha hecho arte, bien porque así fuese considerado entonces o en un momento posterior, pero el concepto de arte ha variado a lo largo de la historia. Lo encontramos en el mundo griego referido a la habilidad o destreza, tanto manual como mental, por lo que tanto médicos como carpinteros aparecían citados junto a escultores y pintores por los cronistas.
En la Edad Media se institucionaliza la distinción entre artes liberales y mecánicas, así por ejemplo la arquitectura y las actuales artes figurativas formaban parte de las denominadas “artes mecánicas”, inferiores respecto a las “artes liberales” tales como la Gramática, la Lógica, la Retórica, la Aritmética, la Geometría, la Astronomía y la Música.
El menosprecio hacia las artes figurativas cambió en el Renacimiento cuando se reivindica la inspiración y la inventiva del artista, y a mediados del s. XVIII ya se define el concepto de Bellas Artes, dirigidas a la producción de “belleza”: Pintura, Escultura, Arquitectura, Poesía, Música y Danza, para llegar en el siglo XX, con las nuevas técnicas y lenguajes artísticos, a la ampliación del campo artístico más allá de las formas tradicionales que caracteriza nuestros tiempos.
Vista lateral (izquierda) y frontal (derecha) de la Venus de Hohle Fels. Universidad de Turinga. Fue hallada a 20 metros de la entrada de una gruta, hundida a unos tres metros de la superficie actual. Mide unos seis centímetros de largo, 3,5 de ancho y algo más de tres centímetros de ancho; pesa 33 gramos. Su antigüedad, siguiendo el método del carbono 14, se sitúa entre los 31.000 y los 40.000 años
El símbolo y el arte van íntimamente unidos. Ya desde la prehistoria esas pequeñas figurillas de Venus (símbolo de la fertilidad) tenían una carga simbólica importante, pues a falta de escritura debían buscar un medio de transmitir sus conocimientos y creencias, de forma que perduraran en el tiempo
Detrás de cada representación o imagen hay unos conceptos, lo que normalmente llamamos simbología, es decir, una idea, o una reflexión abstracta asociada a una imagen .Por ejemplo: si yo veo un pan, en el contexto cristiano pensaré en la eucaristía, en masonería el pan esta en el principio de nuestra institución, ya que compagnon tiene su origen etimológico en el francés com-pain y de esta deriva el compagnonage. Lo mismo ocurre con salario, donde un profano no entenderá lo mismo que nosotros, aunque la palabra sea la misma. Con esto quiero decir que un símbolo no es nada en sí mismo, sino que es preciso relacionarlo con otros y situarlo en el contexto apropiado. Nada es absoluto
¿Qué significa símbolo?
Según la RAE (Del lat. simbŏlum, y este del gr. σύμβολον).1. m. Representación sensorialmente perceptible de una realidad, en virtud de rasgos que se asocian con esta por una convención socialmente aceptada.
El símbolo, que es percibido a través de los sentidos, sirve para representar ciertos contenidos, y posee formas concretas como señales, figuras o signos, es decir cualquier cosa que determina alguna otra, a las cuales se le asocian algunas ideas para dar un sentido de interpretación. Simbolizar es un proceso mental por el cual un objeto viene a representar o a significar unas ideas o conceptos ya conocidos anteriormente. Lo mismo que alguien que no conozca el alfabeto nunca podrá leer, a quien no conozca el significado del símbolo se le quedara únicamente como un elemento ornamental sin más significado. Hay ejemplos de símbolos, con un valor casi universal, como es el caso de la paloma que simboliza la paz o la balanza con la que se representa a la justicia. No obstante, el símbolo puede ser invisible cuando no se tiene un fondo cultural que permita su interpretación, por lo tanto exige una base cultural común, a fin de que la imagen o la palabra logren el cometido de expresar el concepto que pretendemos mostrar. La imagen es en muchos casos la expresión de la palabra y el alma. Las personas no pueden vivir sin imágenes, sin representar en su cabeza y en el exterior lo que piensan y experimentan. La imagen es la concreción de lo meditado. Por eso son la puesta en expresión (palabras, pintura, escultura y el resto de las artes…) de lo vivido y experimentado.
Hasta aquí entendemos todos que la imagen es imprescindible que vaya unida al concepto para comprender la realidad. La percepción sensorial de las cosas y las realidades es tan importante para el hombre que es capaz, en un momento dado, de desarrollar algunos sentidos más que otros para la comprensión de la realidad (en la ceremonia de iniciación a falta de la vista de la que estamos privados desarrollamos esos otros sentidos que habitualmente no les damos tanto uso, como son el olfato, para percibir los olores propios del Templo, y el oído para aterrorizarnos con los ruidos metálicos).
Pero ¿qué sucede cuando veo imágenes y no las asocio con nada? Sucede que veo una imagen sin significado, que no comprendo y que está vacía. Podré decir que es bonita o fea, que tiene armonía o no, pero no sabré que me transmite. Para saber su significado tendré que conocer los códigos y claves que me permitan descifrar lo que veo.
Para entender la simbología en el Arte debe tenerse en cuenta dos conceptos: el signo y el símbolo.
Estos dos son los componentes primordiales de las obras de Arte. El signo constituye lo más material y directo, mientras que el símbolo es lo que representa, y este aspecto puede ser más abstracto y por tanto más difícil de captar a simple vista. Por ejemplo, en la plaza de San Pedro del Vaticano el signo es la llave, que hace referencia al elemento que representa a San Pedro. Sin embargo, el símbolo es la acogida a todos los fieles que se acercan a aquel lugar.
Las dos columnatas laterales se abren a modo de brazos para abrazar el mundo
El término “románico”, para designar el arte que se desarrolla entre finales del siglo X y el siglo XIII en el centro y sur oeste de Europa, fue propuesto por primera vez en 1824 por el arqueólogo francés De Caumont. La aportación más importante de la espiritualidad románica fue la creación de un código moral sobre el que poder levantar un nuevo orden social, una nueva civilización, la cristiana.
En este estilo se hace patente a través de las imágenes de la iconografía mostrada en capiteles, portadas, miniaturas etc, como este nuevo código moral es presentado a los fieles para su educación y formación religiosa.
La educación científica y humana se desarrollara de una manera complementaria al mundo de la fe, siempre de la mano de la iglesia. En el valle de Boí el ingente número de iglesias románicas, muy influidas por las fórmulas lombardas, destacan por sus altas torres-campanario y, sobre todo, por las pinturas murales conservadas en el Museo Nacional de Arte Románico de Cataluña: San Clemente y Santa María de Taüll y Sant Joan de Boí. El románico de Arán, mucho más transformado, conserva numerosas iglesias en un paisaje de montañas extraordinario: Artiés, Bassòst, Escunhau, Salardú…etc.
“El concepto de arte entendido como una especie de «comunicación» presenta algunos riesgos, ya que en forma análoga al lenguaje esperaríamos que la «comunicación » se produjera entre el artista y su público, noción que yo considero que desvía. Sin embargo, hay algo que, sin caer en el riesgo de expresarse demasiado literalmente, puede ser llamado «comunicación a través del arte», y es precisamente el informe que las artes dan sobre una determinada nación o época a los hombres de otra época. Ningún documento histórico podría decirnos en millares de páginas lo que una sola visita a una importante exposición de arte egipcio (…) nos dice respecto al pensamiento egipcio. En este sentido, el arte es una comunicación, pero no es personal ni deseosa de ser comprendida” (LANGER, 1953, 410)
Dentro de los estilos modernos, merecería hacer mención aparte del simbolismo que en un principio fue un movimiento literario que tuvo su principal punto de referencia en la obra de Stéphane Mallarmé.
El Simbolismo forma parte de los movimientos antirrealistas que unieron a artistas y también a escritores. Su nombre, inventado por Jean Moréas, designaba una tendencia entre muchas otras que tenían por denominador común el espíritu de investigación en lo espiritual, lo cual era una modernidad, celebrada por Baudelaire como un fermento esencial de la obra de arte. Junto a el, nace el cloisonnismo de Emile Bernard, el Divisionismo, el Sintetismo, el Ideísmo, etc. Fue una época en la que pulularon revistas que mezclaban textos e imágenes, en las que se experimentaron motivos y ejemplos que aportarían una contribución esencial en la gestación del Modernismo por ejemplo. En Inglaterra Mackmurdo fundó “The hobby Horse”, Beardsley “The Yellow Book”, en París los hermanos Natanson publicaron “La Revue Blanche”, en Barcelona “Juventud”, etc.
El papel de “La Revue Blanche” en París es muy interesante para la historia del Arte, pues en ella se reunieron los críticos de arte Fénéon y Geffroy, los pintores Bonnard, Denis, Serusier, y otros y contó también con colaboraciones de Gauguin. En ella reinaba una corriente de ideas entre las que fermentaba una nueva concepción del arte paralela al refinamiento de los poetas y escritores simbolistas. Gustave Moreau, Böcklin o Puvis de Chavannes indican la diversidad de pintores animados por un mismo ideal, escapar del realismo, para lo que se colocaron voluntariamente al margen de los gustos de la sociedad. Este movimiento anti materialista se manifestó también en católicos convencidos como Blois o Huysmans.
Querían escapar a la vulgaridad del mundo afectando actitudes y originalidades cuidadosamente estudiadas, para demostrar que no pertenecían a la gente común. Así por ejemplo los pintores simbolistas adaptaron el “aspecto de artista” llevando capa, fular y gran sombrero, todo ello para diferenciarse de la burguesía.
Los nabis Sérusier, Bonnard, Denis, Valloton, etc. toman influencias tanto de Van Gogh como de Gauguin o de Odilon Redon, otro pintor poeta de lo imaginario, del inconsciente y del símbolo. Pintores y poetas van de la mano, aunque tal vez el artista que mejor supo profundizar en la atmósfera espiritual de la época fue un músico, Debussy, que con discreción y sutil elegancia da la vuelta a las leyes de la armonía y aporta a la historia de la música sensaciones desconocidas. Por último, Kandinsky basa toda su revolución en el arte buscando lo espiritual “De lo espiritual en el arte”, es su obra escrita más importante en la que reflexiona sobre el arte y sobre la vinculación del mismo con el yo interior.
Moreau se interesó especialmente por el erotismo en la literatura como podemos observar en Leda y el cisne o su famosa Danza de Salomé.
La obra de Redon esta poblada de apariciones y extrañas criaturas como se manifiesta en La esfinge roja. Puvis de Chavannes realiza una obra decorativa, evocando un pasado clásico caracterizado por su armonía interior. Tierra placentera o Bosque sagrado son dos buenos ejemplos de su estilo.
Gauguin será el germen de un grupo de artistas denominados Nabis (los profetas) . Los Nabis no aceptaban el naturalismo impresionista y se inclinaban por una renovación relacionada con el simbolismo, interesándose por el valor decorativo de la pintura.
La partida de póquer, de Félix Valloton (Musée d’Orsay, París). Esta obra, que data de 1902, ilustra a la perfección la factura preciosista de este pintor que tan exactos retratos nos dejó de los poetas simbolistas. La lámpara, es decir, la luz, marca el eje de la composición, relegando a un segundo plano lo que en cualquier otra época se hubiera considerado la escena principal. De nuevo la representación se somete al símbolo, buscando el conocimiento intelectivo y la expresión conceptual.
Los nabis Sérusier, Bonnard, Denis, Valloton, etc. toman influencias tanto de Van Gogh como de Gauguin o de Odilon Redon, otro pintor poeta de lo imaginario, del inconsciente y del símbolo. Pintores y poetas van de la mano, aunque tal vez el artista que mejor supo profundizar en la atmósfera espiritual de la época fue un músico, Debussy, que con discreción y sutil elegancia da la vuelta a las leyes de la armonía y aporta a la historia de la música sensaciones desconocidas. Por último, Kandinsky basa toda su revolución en el arte buscando lo espiritual “De lo espiritual en el arte”, es su obra escrita más importante en la que reflexiona sobre el arte y sobre la vinculación del mismo con el yo interior.
M.·.M.·. Carlos Morales